INSTAGRAM如何改變舞廳和音樂祭的設計

我們正穿越塵土飛揚的平原。地平線上有棕櫚樹，右邊有低矮的帳篷，左邊有個屬於巨蛋的太空時代風格拱門。換成另一個視角，你會看見摩天輪佔滿天空的視野。眼前擠滿了20幾歲的人們，他們戴著太陽眼鏡，穿著短褲、緊身褲或復古衣著，由此看來這顯然是主要通道。但是這些人似乎並非全是要經由此去哪裡。我們看到一個人，兩個人，然後三個人，他們好像被瑞舞蛇髮女妖凍結成石像，雙腳一前一後，手挺著臀，頭歪一側；他們的朋友或跪或蹲，手持手機，在他們前方幾英尺處擺出像是懺悔的動作。我們又通過另一個這樣的畫面，然後再一個，但前面還有更多對像這樣的人正在檢查手機的取景角度和光線。

這段文字是在描述Reddit上一段26秒的影片，由u / mandysux發表，其標題為「Coachella，內容農場」。它所張貼的Subreddit名稱是「Instagram的現實面」，我們就生活在其中。這與其說是讓我們不滿足（Discontent）的冬天，不如說是我們我們Disco內容（Content）的夏天。（編按：這是一個中文無法表達的文字遊戲，作者原意是有關於視覺內容被Instagram催化而大量增加）

「正常狀況下，集合越多人越有機會得到好想法。」哥本哈根大學的國際著名專家Sille Krukow解釋道，他擅長以環境設計「微調」人們的行為和心理方面。「緊隨大眾『更安全』。我們從環境以及我們周圍的人在做什麼中獲得線索和認知觸發，這被稱為『從眾偏誤』。」

他進一步解釋，這是您下飛機時您會無意識的跟隨人群的原因，也是你在Netflix上看完一整季影片後它會告訴您其他人還看了什麼影片的原因。這就是為何當您看到很多人拍照上傳Instagram時，您也會有加入他們的衝動。她認為在個人層面上，Instagram的所觸發心理衝動五花八門——由從眾偏誤、多巴胺對”Like”的獎勵，到損失規避（大體來說這是FOMO，錯失恐懼症的心理術語）；這對它的創造者來說並不稀奇，也是它變成如此龐大現象的主因。對某些人來說，它可以迅速被納入「系統一」行為，這種無意識的例行動作與直覺引導我們90%的決策，讓我們資源緊繃的大腦工作更有效率。它改變人類行為所產生的後果，還能在Coachella舞台以外的地方輕易看見。

人類根據自己的需求和慾望改變自己的環境。羅馬帝國為了主導經濟和軍事地位，根據需求而建立的道路使歐洲、亞洲與非洲部分地區空前的成為一體，讓世界變得更小更四通八達，還改變了文明的屬性。在帝國鼎盛時期，人口曾達到7,000萬。Instagram的經常上線用戶為10億人，其中71%的年齡在35歲以下（是參加音樂祭和舞廳活動的黃金年齡）。那麼龐大的Instagram軍團也正在改變那些環境嗎？

作為最早引入鏡面與遊戲區域以供自拍的業者，Elrow目前正在強化戰略，邀請Instagram上的網紅成為代言大使。但長期以來該公司一直很擅長將Instagram整合到體驗中的藝術，其方式有機、有效，且像跳舞般自然。在其中最鮮明的例子，是他們如何彩繪美化史詩般的海底主題「 Rowmudas」主舞台。「在照片裡，我們繪製的紋理看起來很濕潤、很神奇，真的就像來自大海。」Jordan如此說明。的確，他手下設計師的創作不僅對Instagram友善，更成為某種擴增現實。「這種紋理現實中沒有，你只能在照片裡看見。」他讚嘆道。

當然，沒有任何舞廳是因為在照片上看起來精美而成功。除了音樂以外，Elrow的USP（賣點）是圍繞著每個派對夜而創建的敘事；以Jordan所說的方式，他們透過扮裝演員在DJ表演時與舞客的互動形成架構，並讓這些演出與DJ放歌及舞台的變化同步，進而產生更多故事。

身為Vibration group的創意總監，Simeon Aldred在過去的十年中監製了歐洲兩個最重要的全新文化空間設計：Printworks，以及The Warehouse Project的新家Depot（另外還有今年在倫敦開業，知名的"Exhibition"和 "Magazine"）。由於擁有音樂祭設計背景，他在現成（回收/改造）工業空間處理活動視覺呈現的方式類似「室內音樂祭」，手法可謂獨步業界——這使得他有機會回應甚至改變英國派對客的行為。他表示：「目前，聲音絕對是我們的首要考量。但我同時也清楚，整個會場的「視覺接觸點」絕對必須考量好。小到飲料燈箱，大到Printworks的招牌燈箱，全都要考量好。我們都知道女孩男孩們會擠在這些燈箱前面，大家蹲下後一起拍團體照。」

由於每個夜裡群眾不同想法就不同，優先挑的地點也不同，Simeon Aldred懷疑The Hydra——舉辦Printworks的旗艦級地下派對活動，會邀請Jeff Mills和Helena Hauff來表演的外部活動推廣團體——根本不在意照相這件事。「他們應該不在意吧，因為The Hydra的舞客只對音樂、音響和DJ等表現有興趣。」但Instagram的出現絕對影響了他的空間設計——就算剛開始沒有，後來也慢慢有了。「對我們來說這不是優先事項，但隨著時間過去，總會有個人問道『那大家該在哪拍照呢』。」他說道。

社交媒體的特性讓Simeon Aldred和他的團隊能夠即時發現空間中哪些區域已經是熱點，他清楚地發現這既有趣又有啟發性。「當你剛踏進Printworks時會看到一個巨大的標誌，這個標誌確實形成動線瓶頸（讓大家停下來拍照）；所以我們把標誌移到另一個空間，方便大家拍照時把它當背景。我們很清楚Printworks裡面有八九個（類似地點）：例如人們進場的地方、工業用馬達一字排開的震撼場面、院子寫著Printworks的大招牌等；另外我們還看到很多人站在那條漆黑的走廊外面拍照，假裝自己才剛進來。但坦白說，這些熱點可以說是『舞客自己發掘的』，我不知道你懂不懂我的意思：有些東西我們只是把它當成漂亮的小裝飾，但舞客自己把它們定義成Printworks的標誌。『但是』我想我們現在懂了，我們應該更強化這些舞客自己定義出來的標誌，給它們多些空間，把擋住它們的障礙移開。」

Simeon Aldredd的團隊Depot於今年選擇由火車工廠改建的空間建開業，從零開始將經驗應用於重塑這個現成空間。「從Printworks獲得的最大經驗，是在寬敞空間中就盡量保持空間寬敞。這聽起來很基本，但其實這些空間會誘惑你利用它們，誘惑你將它們分成一、二、三個房間——而最終這會摧毀你最初選擇這個空間的動機。我想讓進來的人感覺很豐富，以確保每個人都得到我期望他們得到的體驗，對其壯麗發出『哇』一聲讚嘆，以及完全沉浸的聲響——但顯然，你得承認一件事實，那就是每個人看到後都會立即拿起手機。」Simeon Aldred正期待其它Instagram的「視覺接觸點」早日出現：「Depot有一組黃色大門，我猜這些門新的標誌。我們一旦知道人們想分享哪裡，就會立刻著手讓人們更容易分享這些據點。」

若要將Elrow與Printworks的現象一言以概之，這個詞將可同時用來描述像阿姆斯特丹的Gashouder這樣的空間。這個字同時也可以用來描述那些不那麼常跑趴的客人的期望，這些人堅守自己信任的派對品牌，而非因特定DJ而來；他們肯掏更多錢買票，趨勢在2019年夜生活場景中顯而易見。「這個詞是『壯麗』。人們想來，他們想要毫無疑問的震撼。」Simeon Aldredd說道。

「在Printworks我們一晚的照明預算可以用來照亮小舞廳一整年。但是我知道，當有五千人付出20甚至30英鎊買你的票時，他們就是想要看到表演。」而且，不用說，他們想告訴朋友自己看到什麼。Printworks和The Warehouse Project這類場地既壯麗又在意識上純淨得像白板，在英國吸引了大量舞客；而「瑞舞小盒子」建立在傳統感官剝奪模式而非壯麗視覺，這十年間則持續走下坡。若把Instagram推為戰犯為之負責，是過度簡化問題了。更何況像是業者的貪婪、不斷增加的開銷和持續改變的消費習慣等因素也都得納入可能因素。然而，當在「傳統」舞廳空間中，感官剝奪等過去所有大家都愛用的手段都無法滿足舞客們的需求時，就幾乎可以肯定Instagram是因素之一。

無論是就設計層面而言，或是巨觀的趨勢層面而言，Instagram都改變了舞廳的環境。但無庸置疑的，Instagram用戶大軍所帶來的改面都能看得見。Josh Flemming是DoLab設計與生產主管。自他們2005年首次在美國舉辦小型音樂祭起，他們已經推出過像Lightning In A Bottle等的活動，並與Dirtybird Campout合作。最近，該公司在長期合作者Coachella中推出了DoLab自有品牌品牌舞台。儘管他主張自家作品出色又有趣，很自然的會變得有利於Instagram用戶，他依然清楚視覺衝擊比以往任何時候都更加重要：「音樂祭推廣人意識到，僅僅光是架一個方形舞台，再擺一堆螢幕上去，已經遠遠不夠了，」他說。

的確，大尺寸LED螢幕是美國EDM音樂祭熱潮的主要推動力，它彌合在傳統樂隊表演的活潑與DJ的靜態本質兩者間的差距（讓我們先把愛心手勢和耶穌姿勢擺一邊吧），反應出舞客們的旺盛精力，將DJ放大成超級明星，還能用同步視覺效果催眠群眾。就Wonderworks的Piers Shephard與 Rebekah Hanbury的說法，在由Instagram建立出的全新世界裡，這些大螢幕顯得越來越過時。Wonderworks是世界領先的活動設計師之一，其工作囊闊奧運會開幕式、Tomorrowland到Secret Cinema以及Beyoncé和Jay-Z的巡迴演出。他們將無數趨勢引進活動，從充氣設備、同步無人機、發光的觀眾腕帶，一直到熱縮封口手機袋等。由於大螢幕不利於Instagram用戶，Piers Shephard與 Rebekah Hanbury推測這些產品已經被封殺，迫使線上業者向上提升。「裝滿LED螢幕的無聊舞台正在退場——這種東西不需要找充滿創造力的團隊來追求美學表現——廣闊的舞台又回來了。」Piers Shephard說道。

Rebekah Hanbury也同意這樣的說法：「把Beyoncé的2006演唱會（以大量螢幕牆架設）和她的上一次Coachella的演唱會中的人體金字塔比一比就知道。前者真的輸慘了。」 依照他倆的說法，Wonderworks的核心精神是不斷追求新方法，讓他們在手上活動的人群保持「動感」——譬如移動和互動——並感到驚喜。當舞客們拿著手機，還要在幾秒之內立刻發表與共享所見所聞時，要辦到這兩件事非常不容易。這是當今所有音樂祭都面臨的挑戰。

「音樂祭的經營者們正試圖在互動環境領域投入更多成本，包括能讓人們悠遊其中迷失自我的藝術和不同類型的建築，」Sziget首席執行官TamásKádár在布達佩斯說道。他解釋Instagram既是行銷工具，也是用戶生成內容（他推算#Sziget標籤已在該服務上被標註100萬次左右），已經可說是「我們彼此溝通重要的一部份」。就像Simeon Aldredd一樣，他知道某些區域將成為自拍熱點——例如在多瑙河上，有如好萊塢標誌一，巨大的”Sziget”字母。「我們並不是為了Instagram製作那個區域，但我們知道我們製作那個區域時必須考慮對Instagram用戶友善，」他表示。

儘管TamásKádár強調The island festival的50個多元的舞台以及和主題區域的「真實音樂祭體驗」是Sziget的設計重點，他依然也同意「在過去的五到十年間，Sziget的視覺呈現和奇觀變得越來越重要；在過去的三年中，它更變成基本配備了。」這與音樂祭廣義上的社會責任息息相關——就像他們會找匈牙利設計團隊合作，活動組織者也會向國際發出” Art Of Freedom”競賽的邀請，讓藝術家對音樂祭中的設施、舞台與環境的設計提案，並資助優勝者執行提案。

Josh Flemming和TamásKádár都同意，在過去五年中Instagram對音樂祭文化的影響，是推動了藝術與音樂祭文化兩者的融合。Josh Flemming：「很久以前這東西只是音樂祭；後來變成『音樂與藝術祭』，現在則變成『藝術與音樂祭』。」

泰國的 Wonderfruit也是類似的例子，這個音樂祭近年在春武里府迅速崛起，視覺表現令人印象深刻，主旨是「以藝術與文化進行對話」。Wonderfruit的核心精神著重於永續性，透過專業策展人規劃展示本土視覺藝術家的作品，與全球藝術界緊密聯繫，並且如同Sziget般以年度競賽活動持續利用場館展覽。在Wonderfruit中，形式服從功能，創始人Pranitan'Pete'Phornprapha這樣解釋道：「我們的作法不是『哦，我們要怎麼讓這東西上鏡』——我們不會這樣想。但是透過我們嘗試的設計方式，自然而然就會有人想和那些東西合照。」

Pete指出Wonderfruit已經藉由口耳相傳建立了聲望（目前舉辦到第六年了），但也許值得一問的是若非因為Instagram，精品、藝術與注重視覺特色的音樂祭是否成為產業在2019年最引人入勝的景象？「隨著音樂祭的時機到來，」Pete說道，「我們在全球都觀察到了圖像傳播爆炸性的流行。」 在音樂祭空間裡的拍照上傳Instagram的需求強化了對視覺新穎性和創造力的渴望：不單是舞客想找出可以用來發文的內容，音樂祭主辦方也想藉此脫穎而出，藉此擁有獨特的美學形象。反過來說，將視覺藝術裝置和藝術品整合到音樂節（以及越來越多的舞廳）空間中的熱潮，是Instagram影響瑞舞環境發展最明顯例子。

但任何運動想在更多人面前呈現藝術，為藝術家開創更多出路，都是好的。這似乎是老生常談。Turner Prize 得主Wolfgang Tillmans身兼Techno製作人與Panorama Bar的駐場DJ，同時也是Mixmag 讀者，卻非常不確定這樣的舞廳空間到底好不好。「對我來說，從早期開始Techno音樂本身就是藝術。後來有了燈光、有了華麗的場館，當然，還來了追求狂歡的舞客。當這些元素被湊在一起，還不斷挑戰界線時，坦白說我對這個場景真的就沒什麼留戀的。我也發現影片和其它的藝術敘事很讓我分心。舞廳本身就該是設施，喇叭就是雕像，舞動的身體與臉孔就是電影。」

也許儘管如此，我們不該過度擔心「傳統」舞廳會被拿著討厭的手機、大腦連著網路的 Instagram用戶搶走。畢竟，傳統的舞廳環境又是什麼呢？ Joey Llanos在刊物Time Out上談起他以前的工作地點。「Michael Brody在火島上的The Pines擁有一棟房子。於是，他為舞廳設計屋頂與裝潢，讓你走進去就感覺到自己在火島上的The Pines一樣，考量甚至包含每一片地板。員工中有位是園藝師，因此我們的庭院總是有鳥造訪。Michael會付費展示精美的藝術品。」 那是1978年，Joey Llanos是Michael Brody夜店保安的負責人，夜店的名字是The Paradise Garage。

對於Simeon Aldred來說，透過Instagram看到Printworks的舞客們如何享受不僅是靈感的來源，更是對其團隊辛勤工作的認可。「當我們第一次啟動Printworks時，有人建議我們應該禁止來客拍照，就像Berghain做的。我當時想，「絕對不是！」 為什麼我們要在照明上花那麼多錢？我們為什麼要創造這種美學？這不僅為了創造令人驚嘆的感官體驗，而且是要創造出人們會願意在社群服務上分享的體驗。」

「能享受音樂盡情跳舞當然是好事，」David Jordan說道，「但要大家把手機留在家裡？現實點吧，辦不到。」

Duncan Dick是Mixmag的編輯，在Twitter上追蹤他

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